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Víctor Maristane | Entrevistas con Arte

Entrevista Nº 70 de Juegos con Arte | Víctor Maristane es un ilustrador brasileño muy versátil que adapta su estilo a las necesidades de cada proyecto
Víctor Maristane

Queremos celebrar Halloween con el arte más terrorífico del juego de mesa Horrified American Monsters realizado por el ilustrador brasileño Víctor Maristane, el cual nos habló de como fue el proceso creativo y su experiencia en el mayor proyecto lúdico que ha trabajado hasta el momento.

Víctor es un ejemplo claro de que los sueños con trabajo y dedicación se cumplen, hace 4 años dejó su trabajo como informático para dedicarse a la ilustración profesional, actualmente se dedica 100% a esta actividad.

Espero que disfrutéis de la entrevista y su arte.

Bienvenido Víctor Maristane, para nuestros/as lectores/as que todavía no conocen tu trabajo, ¿podrías contarnos un poco sobre tus inicios como ilustrador y trayectoria profesional?

¡Gracias por su invitación! Soy ilustrador profesional desde hace relativamente poco tiempo. Dejé mi trabajo anterior en 2017 y me concentré en estudiar dibujo y pintura, obteniendo mi primer trabajo en un estudio de juegos, Manifesto Games, a finales de 2018, y me mudé a otro estudio en 2020, la PUGA. Mientras hacía cada vez más proyectos como autónomo. Entre ellos se encuentran algunas ilustraciones para Grimmerspace, Mars Attacks: Uprising y juegos de rol de mesa brasileños como Kalymba (que ha empezado un crowdfunding para una versión en inglés hace pocos días) . Hasta que estos “proyectos paralelos” comenzaron a aparecer con suficiente frecuencia para sostenerme y desde entonces he estado fuera de los estudios y soy 100% autónomo.

Dibujo desde pequeño, pero a partir de 2007 comencé a estudiar un poco más. En 2009 y 2010 participé en algunas exposiciones e incluso gané un premio en el 1er Festival de Arte de la UFPE. También tuve un trabajo mío que se «viralizó» en Internet, que era este fan art de Joker con la frase «Why So Serious?».

Pero todavía no tenía claro cómo construir una profesión a partir de eso, parecía muy dependiente de la suerte y los edictos. Entonces, para estar más seguro, estudié Ciencias de la Computación y mi carrera artística estuvo prácticamente en pausa entre 2010 y 2017, con la excepción de algunos cursos y proyectos específicos.
Una marca interesante de esa época fue mi angustia con el tema de la educación, que generó iniciativas como el TEDxUFPE que organicé en 2013 y el premiado proyecto School or Prison. Después trabajé durante un año en el departamento de Educación de mi estado, en el área de tecnologías educativas. Creo que parte de esta angustia estaba relacionada con lo mucho que algunas experiencias escolares sofocaron al artista en mí.

Eventualmente esta angustia me llevó al proceso que comencé en 2017 de “dejar todo” e intentar una carrera como ilustrador, que afortunadamente ha ido bien y cada vez mejor.

¿Qué inspiración o referencias dirías que han influido en tu trabajo o estilo?

El primer material didáctico de dibujo que encontré fue una compilación de páginas de libros de Andrew Loomis. Pasé mucho tiempo practicando su estilo y el primer cómic que no era para niños que leí fueron revistas de la edición brasileña de La Espada Salvaje de Conan, que coleccionaba mi padre. Me gustaron especialmente los dibujos de John Buscema y las portadas de Earl Norem. Y, como muchos brasileños, tuve contacto con varias obras de Benício y Manoel Victor Filho y siempre los he admirado, aunque solo descubrí sus nombres hace unos años. Entonces, aunque nací en los 90, crecí con esta base de inspiración en ilustraciones de aproximadamente los 40 a los 70. Creo que puedo agrupar y resumir en la estética de los libros pulp, aunque la he conocido y absorbido de otras formas.

Tu primer trabajo en el sector de los juegos de mesa ha sido para Horrified: American Monsters editado por Ravensburguer. ¿Qué nos puedes contar del proyecto y cómo te involucraste en él?

La verdad es que me llamaron al proyecto, ¿puedes creerlo? Vieron mi trabajo y pensaron que el estilo tenía mucho que ver con la propuesta del juego y me enviaron un correo electrónico. Y lo que siguió fue una experiencia de trabajo increíble, ¡estaba tan feliz! A menudo me contratan solo por mi habilidad para ilustrar en diferentes estilos, esta fue una de las veces que me llamaron por «mi estilo», solo un poco ajustado, algo que siempre es más placentero.

Lo que puedo decir acerca del juego es que es diferente del Horrified original, con más novedades además de los nuevos monstruos. Y entre las inspiraciones estéticas generales para el tema elegido se encuentran Twin Peaks, The X-Files e incluso Scooby Doo, pero con una ambientación un poco más retro. Una curiosidad es que como fui responsable de muchas artes internas con la gente del pueblo del juego, agregué un aura de Norman Rockwell a las composiciones de algunos de ellos. Creo que refuerza la estética de «ciudadanos de un Estados Unidos del pasado».

Eres el responsable de la ilustración de la portada de Horrified: American Monsters. ¿Cuéntanos cómo fue su proceso creativo? Desde las primeras ideas hasta su arte final.

Como es una de las ilustraciones más importantes del juego, seguí un proceso «más lento» y «paso a paso». Hice varias opciones de composición y un line-art detallado, lo que ni siempre hago en mi proceso normal. Hubo algunas variaciones de color. También recibí más instrucciones y comentarios, lo que ayudó a alcanzar un resultado final tan agradable. Un punto interesante es que al principio no sabíamos si íbamos a intentar mantener el mismo estilo que la portada anterior, aunque sabíamos que se mantendría el tipo de composición. Pero «extraoficialmente» yo traté de mantener el estilo para ver si funcionaba, y funcionó, así que seguimos. Tengo cierta capacidad para adaptarme a diferentes estilos, resultado de mi desesperación estudiando diferentes caminos al comienzo de mi carrera, así que pensé que valía la pena intentarlo y creo que ha quedado bueno.

En Horrified: American Monsters lucharemos contra los monstruos estadounidenses clásicos. Bigfoot, Mothman, Jersey Devil, Chupacabra, Banshee of the Badlands, and Ozark Howler. ¿Cómo fue su proceso de documentación y qué desafíos surgieron durante su creación?

Afortunadamente, toda esta investigación ya había sido realizada por el equipo de Ravensburger y los diseños de las criaturas y personajes fueron realizados por otros artistas. Un desafío para mí al ilustrar cartas con la presencia de los monstruos fue el hecho de que realmente no conocía a algunos de ellos, como la Banshee y el Ozark Howler. Así que hice una investigación adicional sobre ellos.

Un punto muy importante es que a pesar del tema “Terror”, el juego no debería ser “aterrador”, está dirigido a un público más amplio. Ese era un punto que yo necesitaba tener en cuenta. Ya que, si me dejan, puedo dibujar cosas un poco inquietantes, y ese no era el plan. La estética del juego es más “campy”, exagerada, casi cómica.

¿Cuál fue el monstruo que más disfrutaste ilustrando? ¿Por qué?

Sin duda el Chupacabras. Es un monstruo que en realidad es parte de mi cultura, algunos de los otros ni siquiera los conocía antes. Le tenía mucho miedo cuando era niño. Es incluso un poco simbólico que, después de enfrentar varios miedos para convertirme en ilustrador, llegué al punto de ilustrar a Chupacabras, de una manera “haciendo las paces” con él, uno de los mayores miedos que he tenido. Tenía mucho miedo de los extraterrestres en general, y ahora gran parte de mi trabajo involucra extraterrestres, ¡y me encanta! Freud debe explicarlo.

Sinceramente nos quedamos atrapados viendo tu portfolio. ¿cómo nacen esos personajes pin-ups y esas escenas Apocalipsis de tus ilustraciones?

Mucha gente me pregunta cómo tengo mis ideas, pero la verdad es que para mí lo difícil es dejar de tener ideas. Siempre estoy pensando en cosas y escribiéndolas. Cuando tengo tiempo para trabajos personales, miro la lista y veo qué idea me entusiasma más y la ejecuto. Para que una idea me anime, tiene que ser sobre cosas que quiero aprender, comunicar o experimentar en este momento. Por eso algunas de mis obras traen críticas
políticas, mientras otras son cosas como “¿y si intento pintar en este otro estilo?”.

Como artista, soy una mezcla de activista y científico loco.

Además, siempre que puedo trato de traer algo “nuevo” y “único”, aunque es difícil. Si tengo que dibujar un Orco, ¿qué tal si tiene bigote? No recuerdo haber visto Orcos con bigote antes. Muchas de mis piezas en el portafolio son para clientes o concursos y son el resultado de direcciones de arte específicas, pero incluso en ellas trato de traer algunos de estos factores, cuando sea apropiado.

La serie de ilustraciones “Pin-ups of the Apocalypse” tiene una larga historia para resumir aquí, pero son un buen ejemplo de cómo fluyen las cosas en mi trabajo personal.

Empezaron como un “experimento de estilo”, luego algunos empezaron a traer crítica social, hoy ya tengo 7 ilustraciones más anotadas para completar 12 y lanzar una especie de libro de arte + calendario. Pensé en hacer un cómic, pero no está en la lista de ideas que me animan en este momento, tal vez en el futuro.

Muchas veces mis ideas evolucionan y adquieren capas y otros propósitos, y me gusta eso. Una parte central de mi proceso es dar mucho espacio para que las cosas cambien un poco a lo largo del camino. Me gusta bastante el acto de planificar, pero en la práctica no me gusta seguir los planes al pie de la letra. Sin un cierto espacio para la improvisación me siento como un robot y me atasco, la cosa pierde su magia y diversión para mí.

Aparte de la portada, también has realizado el arte de más de 20 cartas para Horrified: American Monsters. ¿Cómo ha sido el proceso para ilustrar cada carta?

Recibí briefings detallados para cada carta, además de diseños de personajes y algunas referencias iniciales. Sin duda fue una de mis mejores experiencias en cuanto a briefings: suficientemente completos para darme claridad y agilidad, pero con suficiente espacio para mi expresión artística. Sin embargo, el proceso de las cartas fue bastante diferente al de la portada.

Normalmente hago varias opciones de composición, luz y colores, y eso es lo que sucedió parcialmente con la portada. Pero como el tiempo disponible para las cartas era menor y los briefings ya estaban bien definidos, solo hice un boceto para cada una y trabajamos con ellos, ajustándolos a lo largo del camino. Me parece importante que un ilustrador sepa adaptarse a las limitaciones de tiempo y saber cuándo y qué sacrificar antes de recurrir a sacrificar la calidad o el plazo. En estos casos tiendo a optar por sacrificar la cantidad o el detalle de las opciones iniciales – las «miniaturas» de composición, luz, colores, etc – para tener más tiempo para mejorar las opciones elegidas. El cliente pierde claridad sobre lo que está eligiendo, pero ganamos tiempo. A veces prefieren ampliar el plazo, por ejemplo.

Desde tu perspectiva ¿cómo ves el mundo de la ilustración de los juegos de mesa actual?

Es un mundo relativamente nuevo para mí, ¡pero estoy enamorado! Cada vez me doy más cuenta de que mi lugar como ilustrador está en el mercado de los libros, juegos de rol y juegos de mesa. Me encantan los juegos digitales, la animación y los cómics, por ejemplo, pero el tipo de arte que me gusta hacer tiene menos espacio en estas áreas. Hay muchas excepciones, por supuesto, y todavía quiero hacer mucho en estos mercados. También he hecho muchas portadas de álbumes. Pero siento que siempre seguiré “sintiéndome en casa” haciendo arte para libros y juegos impresos.

Como es un universo nuevo para mí, mi visión estará muy distorsionada, pero una opinión que tengo es que … hay espacio para todos. He visto juegos con diferentes estilos y para diferentes públicos y creo que es increíble. Parte de esto se ve catapultado por la popularización del crowdfunding, que empodera a los creadores independientes, pero veo una creciente diversidad de estilos incluso en las grandes empresas.

Otra opinión mía es que el arte de los juegos de mesa no es secundario, aunque a veces se lo considera como tal. Debe considerarse como parte del diseño del juego, es parte de la inmersión y la experiencia, tanto como en un juego digital. Un color extraño en el lugar equivocado puede, literalmente, dificultar el juego. El arte interesante ayuda a mantener a los jugadores alerta. Un personaje dibujado de cierta manera puede confundir al jugador y esto puede ser parte de los planes.

Horrified: American Monster tiene grandes ejemplos de esto, como el hecho de que hay ciertas pistas en algunas ilustraciones que son relevantes para el juego. Además, en puntos importantes hubo la preocupación de mantener los colores accesibles a personas con diferentes tipos de daltonismo.

Finalmente, ¿En qué proyectos estás trabajando actualmente?

La pregunta más triste para un ilustrador que a menudo trabaja en proyectos bajo NDA, jajaja. Todo lo que puedo decir es que hay otro juego de mesa INCREÍBLE en el que he trabajado y que probablemente se anunciará pronto. Y entre proyectos grandes me gusta hacer cosas para proyectos más independientes, son un espacio más relajado para entrenar y crear un portafolio, y me gusta ayudar a los pequeños creadores. He estado haciendo ilustraciones para el juego de mesa chileno Earth’s Last Stand y el juego digital francés Zodiac Legion, así como varias portadas de libros y juegos de rol brasileños. A veces estos pequeños proyectos se convierten en grandes, y me gusta pensar que ayudé con mi arte, como fue el caso del RPG brasileño Kalymba, hoy uno de los más aclamados del país y aún no ha sido completamente publicado. Pero ya estoy empezando a articular cuáles serán los “grandes proyectos” para el próximo año. Y espero poder dedicar tiempo a algunos proyectos personales, incluidos cursos que quiero ofrecer y cómics.

Muchas gracias Víctor 😉

(Todas las imágenes cedidas por Víctor Maristane)

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